Analoge Fotografie mit Sacha de Boer

Sacha de Boer über analoge Fotografie

Sacha de Boer ist eine Journalistin und Fotografin. Sie wurde als eine der permanenten Gesichter des NOS Journaal bekannt. Neben ihrer Arbeit in der Redaktion der Achtuhrnachrichten arbeitete sie als freie Fotografin. Nach zehn Jahren beendete sie ihre journalistische Karriere und stürzte sich auf ihre Fotografiearbeiten.

Inzwischen arbeitet die ehemalige Journalistin in Vollzeit als Fotografin und das mit Erfolg. Sieh dir ihre Website für ihre schönen Fotografie-Projekte an, wobei sich Sacha vor allem auf Porträts, Dokumentar- und Food-Fotografie konzentriert. De Boer erstellt viele freie Arbeiten, hat aber auch einige diverse Auftraggeber wie NRC, National Geographic Traveler und mehrere Verleger. Sie stellt regelmäßig aus und erzählt über ihr Werk und ihre Beobachtungen unterwegs.

„Es begann mit der Agfa Clack, die ich an meinem siebten Geburtstag geschenkt bekam“

Das Fach vom Nachbarn erlernen

“Wir wohnten in Amsterdam, neben Fotograf Eddy de Jongh, der mit meinen Eltern befreundet war. Er arbeitete für Vrij Nederland und erstellte journalistische Reportagen und Porträts. Unser Nachbar erstellte auch Fotos von unserer Familie. Das tat er auch noch, als wir später nicht mehr nebeneinander wohnten. Wir blieben mit ihm in Kontakt.

Er erzählte mir, dass es ein schwerer Beruf sei und dass man nicht nur schöne Fotos machen dürfe: ein Teil seines Arbeitstages sei langweilig. Dann müsse man Bürogebäude fotografieren. Er betonte auch, dass man mit seinem Beruf kaum etwas verdiene. Aber das interessierte mich nicht. Ich war bereits in jungen Jahren verrückt auf die Fotografie. Ich fand es faszinierend, dass man die Zeit festhalten konnte. Mit einem Klick konnte man einen beeindruckenden Moment bewahren. Man konnte sogar die Momente sammeln. Unser Nachbar gab mir einen wichtigen Tipp: Er sagte, dass man als Fotograf am besten auf seine Intuition hören solle. Dies konnte er nicht begründen, aber feststellen.”

„Ich war bereits in jungen Jahren verrückt auf die Fotografie und fand es faszinierend, dass man die Zeit festhalten konnte“

Die erste Agfa Clack

„Für mich fing es mit der Agfa Clack an, die ich zu meinem 7. Geburtstag geschenkt bekam. Die Kamera hatte meinem Vater gehört, der ebenfalls sehr für Fotografie begeistert war.

Ich fotografierte Tiere. Mein Vater druckte meine Fotos selbst, indem er Fotopapier mit dem Negativ unter einer Lampe belichtete und dann in Bädern von Entwickler, Stoppbad und Fixierer einlegte.

Irgendwann bekam ich auch einen Nebenjob bei einem Fotografen. Ich unterhielt mich eines Tages mit dem Nachtportier einer Druckerei. Er stellte sich als Fotograf heraus. Ich sagte: ‚Wie toll, das möchte ich auch machen.‘ Er antwortete: ‚Nun, ich habe etwas Arbeit für dich.‘ So ging ich mit ihm mit, wenn er Models fotografierte oder Standfotos für Spielfilme machte. Ich lernte dabei sehr viel.”

„In meiner Studienzeit nutzte ich das Badezimmer als Dunkelkammer. Brauchte jemand die Toilette, packte ich alles ein.”

Die erste Spiegelreflexkamera

„Fotografie hat mich nie losgelassen. Mit etwa 12 begann ich, für eine Spiegelreflexkamera zu sparen. Sie war so teuer, dass ich sie erst um meinen zwanzigsten Geburtstag herum kaufen konnte.”

Sacha studierte damals und wohnte in einer WG. Sie musste improvisieren: „Ich nutzte das gemeinsame Badezimmer als Dunkelkammer. Ich legte ein Brett auf die Toilette und stellte meinen Vergrößerer darauf. Auf dem Duschboden standen meine Schalen mit Entwickler, Stoppbad und Fixierer.” Lachend: „Und wenn jemand die Toilette brauchte, packte ich alles wieder ein.”

Erste Aufträge

„Ich verdiente Geld mit kleinen Fotojobs. Ich fotografierte für die Studentenzeitung und machte Porträts von Professoren. Irgendwann fotografierte ich für eine Castingagentur. Sie sprachen mich zuerst als Model an, aber daran hatte ich kein Interesse. Ich sagte: ‚Es klingt viel interessanter, nebenbei zu fotografieren.‘ Und ich scheute mich nicht, das zu sagen.

Ich denke, ich verdanke viel der Kombination aus Mut und Naivität in mir. Ich reagiere oft spontan, sage, es klingt nach Spaß, und lege einfach los. Die Leute bei der Agentur sagten: ‚Okay, zeig uns, was du drauf hast.‘ Ich hatte ein anständiges Portfolio, und sie reagierten positiv.”

„Ich habe einen großen Teil einer Serie ruiniert, weil ich die Verschlusszeit nicht richtig eingestellt hatte. Nun, das passiert einem genau einmal.”

Aus Fehlern lernen

“Ich habe aus Fehlern am meisten gelernt. Ich kann mich noch gut daran erinnern, dass ich einmal einen Großteil einer Serie bei dieser Modelagentur verhunzt habe. Ich habe Fotos von Models und Schauspielern für ihr Portfolio angefertigt, arbeitete aber mit den Studioblitzen der Castingagentur (mit denen ich keine Erfahrung hatte) und habe die Verschlusszeit nicht gut eingestellt (höher als 250). Man erhält dann einen schwarzen Balken in seinem Foto. Das wusste ich nicht. Ich versuchte daher alles nochmal. Das Ergebnis? Beinahe alle Fotos waren verhunzt. Sie lacht laut und erzählt weiter: So etwas passiert einem nur einmal im Leben. Seitdem stelle ich die Verschlusszeiten immer gut ein.”

“Bei der analogen Fotografie liegt natürlich etwas Zeit zwischen der Aufnahme und bis man sieht, was man abgelichtet hat. Wenn man intuitiv fotografiert, drückt man auf den Auslöser, wenn man das Gefühl hat, dass man etwas Besonderes sieht. Man kann manchmal nicht sofort erklären, warum man das Foto macht, aber davon muss man sich nicht abhalten lassen. Wenn man zu lange nachdenkt, ist der Moment nämlich vorbei.”

Bildsprache und die Übermittlung der Botschaft

“Ich habe Psychologie und Kommunikationswissenschaften studiert und ging zur Fotofachschule, was Sie wahrscheinlich erwartet haben, nachdem Sie hörten, wie verrückt ich auf Fotografie war. Es klingt vielleicht sehr dämlich, aber das kam auch durch den Standort. Die Schule war in Apeldoorn und den Ort fand ich in meinem Alter nun nicht so spannend. Alles spielte sich in Amsterdam ab. Dort passierte alles. Die UvA war außerdem bekannt als CREA. Dort konnte man kreative Fächer wie Fotografie, Dunkelkammer und Videofilmen wählen. Das habe ich auch alles gewählt. Und mich endlos in der enormen Dunkelkammer aufgehalten.

Die Fotofachschule war nicht auf Kreativität, sondern rein auf die technische Seite spezialisiert. Und die beherrschte ich. Ich war keine Anfängerin. Ich entwickelte meine Schwarz-Weiß-Fotos bereits seit einiger Zeit selbst. Farbfotos brachte ich zum Labor und fand das auch sehr gut.

Bildsprache und Botschaftsvermittlung

„Ich studierte Psychologie und Kommunikationswissenschaft und ging NICHT zur Fotoschule. Die Schule war in Apeldoorn, und das klang in dem Alter nicht sehr aufregend. Alles passierte in Amsterdam. Die UvA war auch für CREA bekannt, wo man kreative Kurse belegen konnte, einschließlich Fotografie und Dunkelkammerarbeit.

Die Fotoschule war nicht auf Kreativität ausgerichtet, sondern rein auf Technik. Und das hatte ich schon drauf. Ich fing nicht bei null an.”

„Psychologie und Kommunikationswissenschaft sind, wie Fotografie, auf Botschaftsvermittlung ausgerichtet. Als ich im Journalismus bei AT5 als Redakteur und Kameramann landete, fand ich es herausfordernd, visuelle Geschichten zu erzählen. Es überrascht mich immer noch, wie viele Formen von Bildsprache es gibt. Die Möglichkeiten sind endlos.”

Aktuelle Analogfotografie-Projekte

„Ich mache immer noch analoge Fotos, aber nur für persönliche Arbeiten. Bei kommerziellen Aufträgen muss man schnell und effizient arbeiten. Eine Filmrolle ist dann nicht praktisch.

Analoge Fotografie ist für mich ein Luxus. Ich beschäftige mich damit, wenn ich kein zeitliches Limit habe.”

Die Magie der analogen Fotografie

„Analoge Fotografie ist Handwerkskunst. Vergleichbar mit Slow Cooking. Man arbeitet in einem anderen Tempo. Ruhig, gründlich und sorgfältig. In eine Hasselblad legt man einen Film mit nur 12 Fotos ein. Man ist daran gebunden, was schön überschaubar ist.”

Back to Basics

“Ich finde es auch interessant, wenn ich meine analoge Kamera dabei habe, mich auf die Grundlagen zu berufen. Die Belichtung muss gut sein. Alles muss gut sein. Ich bin damit aufgewachsen. Bis zu meinem 30. Geburtstag habe ich stets analog gearbeitet, daher ist dies für mich ganz normal. Meine Fotos sahen damals stets so aus und die Fotos in meinem Familienalbum sind analog. Meine erste Fotoerfahrung war analog. Die analoge Fotografie klingt romantisch, aber das ist sie nicht. Sie ist harte Arbeit.

Ich scanne nichts ein, um diese zu bearbeiten. Wenn ich analog fotografiere, gehe ich auch all the way. Dann sorge ich dafür, dass das Foto richtig aufgenommen wurde und dass nichts in der Nachbearbeitung gerettet werden muss. Oder dass ich ein richtig belichtetes Negativ erhalte, durch das man gute Abdrücke erzielen kann. Danach ist es auch fertig.

Ich finde es manchmal lustig, die Arbeit von Jugendlichen anzusehen, die die analoge Fotografie für sich entdecken. Einige Fotos sind wirklich ruckartig geschossen. Sie sind schlecht belichtet. Man sieht, dass die unerfahrenen analogen Fotografen auf die automatischen Einstellungen vertrauen, die sie in einer digitalen Kamera haben. Sie denken nicht über die Blende oder die Verschlusszeit nach. Sie müssen jedoch realisieren, dass der Standard bei der analogen Fotografie höher liegt. Die analoge Fotografie ist keine Entschuldigung dafür, irgendetwas zu tun. Man muss gerade einen Zahn zulegen und sein Bestes geben.”

„Die analoge Fotografie klingt romantisch, ist jedoch sehr harte Arbeit.“

Analoge Lieblinge

Ich habe mehrere analoge Kameras, und einige bedeuten mir besonders viel. Die erste Agfa Clack zum Beispiel — die habe ich noch immer.

Ich besitze auch eine Leica M4, die zunächst Eva Besnyo gehörte und später Ata Kando, beiden ungarischen Fotografinnen. Ata dokumentierte ungarische Geflüchtete und bedrohte indigene Völker im Amazonas. Zusammen mit ihr und Diana Blok habe ich das Projekt The Living Other mit mehr als 70 Fotografinnen und Fotografen realisiert.

Koos Breukel fragte mich, ob ich an seinem Projekt PS Camera teilnehmen wollte, bei dem er Fotografinnen und Fotografen herausforderte, die alten analogen Kameras berühmter Vorgängerinnen und Vorgänger zu benutzen. Für viele fühlte es sich an, als würde der Geist dieser berühmten Persönlichkeit noch in der Kamera stecken.

Ich machte ein Foto mit Atas Leica. Sie gab mir die Kamera, weil sie nicht mehr fotografieren konnte. Mein Motiv wurde Ata Kando selbst — in jenem Jahr wurde sie 100 Jahre alt. Ich belichtete zwei Filmrollen von Ata, die eine Rolleiflex hielt, genau wie jene, die sie früher besessen hatte.

Ata Kando wurde selbst zur Kamera. Dieses Porträt war ein Symbol dafür, wie ihr Leben war. Die Kamera war ein Verlängerungsstück ihrer selbst. Es wurde zu einem Porträt im weitesten Sinne. Sie war nicht jemand, die nach vorn schaute, aber man sah ihre gesamte Persönlichkeit in diesem. Alles war schön: der visuelle Reim der Objektive der Rollei, die Kräuselungen in ihrem Kleid und die Locke in ihrem Haar … Und wenn man genauer schaut, sieht man auch die Schönheit des Yings und Yangs ihrer Hände und das Muster ihres Kleides, die Linien und den Lichteinfall.”

Dieses Foto hat im Museum Kranenburg bei der Übersichtsausstellung gehangen. Es war Atas Favorit und ich war so stolz! Das Foto hing später noch im Museum Rotterdam und im Museum Hilversum und wurde häufig veröffentlicht, als Ata starb.

Am Ende ist Ata 103 geworden. Faszinierend, findest du nicht auch, dass so viele Fotografen so alt werden? Darüber hat Howard Greenberg etwas Schönes gesagt. Er ist ein Sammler von Fotografien und Galerist in New York mit besonders vielen Fotos alter Fotografen in seiner Kollektion. Ich habe ihn einmal (live) interviewt und fragte ihn, warum er dachte, dass so viele Fotografen so alt werden. Er sagte: Fixierer ist das Elixier. Wenn man also viel Fixierer einatmet, dann wird man alt. Das ist nur ein Tipp!“

„Fixierer ist das Elixier“

Wohlbehagen bei Fotoshootings schaffen

“Die Kommunikatorin in mir ist stets präsent, auch während eines Fotoshootings. Ich kommuniziere die ganze Zeit, erkläre, wenn ich technisch arbeite, stelle Fragen, höre zu und helfe: Alles in allem versuche ich, Unbehagen entgegenzuwirken. Das sagt vielleicht mehr über mich aus als über meine journalistische Seite. Ich tue das, weil ein Porträt in meinen Augen eine Zusammenarbeit ist. Ich erkläre, was ich erreichen möchte, frage, was die andere Person möchte und sorge für einen guten Kontakt mit meinen Porträtierten. Meistens schieße ich diese Porträts übrigens digital. Das auch, da ich auf halbem Wege des Shootings sehen kann, wie das Porträt aussieht. Das ist für mich Teil des Prozesses. Die porträtierte Person ist häufig überrascht, was er oder sie sieht und posiert direkt ein bisschen selbstbewusster.

Ich fertige viele Porträts von Schriftstellern an. Autoren leben meist allein. Sie sind es nicht gewöhnt, sich sehen zu lassen und haben wenig Fotoerfahrung. Posieren lieben sie nicht. Aus diesem Grunde helfe ich ihnen am liebsten, damit sie sich wohl fühlen.

Ich genieße es, wenn sich jemand stets mehr entspannt. Das sieht man vor allem gut im Gesicht. Es gibt Autoren, die mich erneut beauftragen, weil sie sich bei mir wohl fühlen. Das, finde ich, ist ein sehr schönes Kompliment.“

Das Wesen der Schwarz-Weiß-Fotografie

“Fast all meine analogen Fotos sind Schwarz-Weiß-Fotografien. Wenn man mit der Schwarz-Weiß-Fotografie arbeitet, bringt man ein Foto zurück zu seinem Wesen. Ich habe einst eine Reportage über Kinder mit Albinismus in Tansania angefertigt. Das ist ein Foto, das mir sehr lieb ist. Auf diesem sieht man das Mädchen mit dem bildlichen Namen Lightness. Sie hat Albinismus. Genauso wie alle Menschen um sie herum, trägt sie grellgefärbte Kleidung. Sie ist ungefähr 13 und wartet verlegen vor der Kirche.

Jeder um Lightness herum ist dunkel und man sieht ein kleines Mädchen zu ihr aufschauen. Das Mädchen sieht, dass Lightness anders ist und versteckt ihr Erstaunen nicht. Sie beobachtet Lightness intensiv.

Beim Farbfoto fällt dieser Blick nicht so auf, da man vor allem auf die Farbkomposition achtet. Aber in schwarz-weiß sieht man ihn sehr gut. Auch sieht man das Unbehagen von Lightness gut auf dem Schwarz-Weiß-Foto. Es gibt kein Rauschen durch die Farbgewalt. Die Emotion ist fühlbar. Das Bild spricht für sich.”

Im Jahre 2010 fertigte ich die Serie B.A.C.K./The Other Side of the Moon an, in der ich mit dem Mangel an Kontakt und Emotion spielte. Von ca. 12 Prominenten erstellte ich mit meiner Hasselblad ein klassisches Porträt von den Schultern aufwärts, aber von ihrer Rückseite. Der Effekt ist, dass man sie dann noch stets wiedererkennt! Auch wird das Porträt auf diese Art und Weise zu einer Art Landschaft. Die Serie hat inzwischen in mehreren Museen gehangen und auch auf der Art Amsterdam. Es ist lustig, wenn ich bei meinen Fotolesungen einige Porträts zeige und das Publikum raten lasse, wessen Hinterkopf das ist. Aber am allerschönsten war die Überraschung derjenigen, die ich porträtierte, dass ich wirklich nur ein Foto ihres Hinterkopfes machte und nicht auch von ihrer Vorderseite, wo sie nun schon da waren.“